Chuck Close

Chuck Close

Pintor estadounidense célebre por sus gigantescos retratos basados en primeros planos fotográficos. Los rostros que pinta, y que llegan a medir hasta 3 metros de altura, reflejan cada una de las arrugas y poros del retratado. Su técnica consiste en proyectar una fotografía sobre el lienzo previamente cuadriculado y trasladar metódicamente, cuadrícula a cuadrícula, la imagen a la tela. Nació en Monroe, Washington. En 1964 obtuvo el doctorado en Bellas Artes en la Universidad de Yale. En 1964 y 1965 estudió en Viena (Austria) gracias a una beca Fulbright. De 1965 a 1967 fue profesor de Arte en la Universidad de Massachusetts, en Amherst, y posteriormente se trasladó a vivir a la ciudad de Nueva York. Pintó su primer cuadro a partir de una fotografía en 1966 y en los siguientes años realizó una serie de retratos enormes en blanco y negro. El sistema de cuadrícula estaba muy extendido entre un grupo de pintores conocidos como hiperrealistas. En 1970 comenzó a pintar retratos en color y en las siguientes décadas pasó del hiperrealismo a una forma de realismo más abstracto. Comenzó, por ejemplo, a añadir a cada cuadrícula su huella dactilar, que entintaba previamente en una almohadilla, como en el caso de Robert/Huella dactilar cuadrada II (1978, Colección de Julius E. Davis). Las huellas dactilares oscuras conforman las zonas sombrías del cuadro, mientras que las más claras o fragmentos de éstas se utilizan para las zonas más luminosas. Durante las décadas de 1980 y 1990 continuó experimentando con diferentes formas dentro de cada cuadrícula, introduciendo en cada una de ellas pinturas abstractas en miniatura, que recuerdan a pequeñas amebas de colores brillantes como el fucsia, el amarillo mostaza, el violeta oscuro y el turquesa. Si se observa la obra a cierta distancia, esos centenares de formas abstractas llenas de color se combinan para conformar un retrato de una minuciosidad en el detalle y de un realismo fotográfico impresionante. En 1988 un trombo en una arteria le provocó una parálisis parcial que le obliga a utilizar silla de ruedas. No obstante, continúa pintando con la ayuda de unas pinzas de bronce y un caballete móvil especialmente diseñado para él.

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=3268

Lorna

Esta obra llamada Lorna, fue pintada por Close. Este cuadro es uno de los estandartes del hiperrealismo americano. Esta es una de las muchas caras humanas que a pintado, con un margen a los lados; y siempre tipo foto de carnet.

http://www.picassomio.es/chuck-close/34052.html


Opinion personal

He elegido este cuadro porque me ha parecido curioso el rostro de la mujer, y la forma en la que aparece en la imagen. Normalmente las obras de Chuck Close son las fotos de carnet, y en esta la chica que se muestra esta de perfil, por lo que no es una foto de carnet. ¿Por que la abra pintado asin?

Fernando Botero

Botero

(Medellín, Colombia, 1932) Pintor y escultor colombiano. Fernando Botero se graduó en 1950 en el Liceo de la Universidad de Antioquia, sita en su ciudad natal. Posteriormente viajó a España para estudiar a los grandes maestros de la pintura española (en especial a Goya y Velázquez).

Sus primeras obras de retratos, paisajes y escenas costumbristas están realizadas con una pincelada muy suelta, que se irá empastando progresivamente, al tiempo que tanto la perspectiva como las figuras se hacen arbitrarias.

A principios de los años sesenta Fernando Botero se estableció en Nueva York, donde sus pinturas le granjearon una notable popularidad en el mercado artístico estadounidense. Entre sus obras más conocidas cabe destacar La alcoba nupcial, Mona Lisa a los doce años y El quite. Su traslado a París coincidió con sus primeros trabajos escultóricos, que compartían las características de su obra pictórica.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/botero.htm


Los musicos

Este cuadro llamado Los musicos, fue pintado por Botero. Es un cuadro muy peculiar, ya que todos los rasgos del cuadro estan hechos con figuras corpulentas.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/botero.htm


Opinion personal

He elegido este cuadro porque me ha parecido bonito, la forma en que lo representa... Las figuras son asin corpulentas...Y estan muy graciosas..

Mel Ramos

Mel Ramos

Mel Ramos es un pintor estadounidense que nació en Sacramento (California) en 1935. Integrante del Arte pop norteamericano de los años 60 del siglo XX.

Frente al grupo de Nueva York formado por Warhol, Lichtenstein y otros, Ramos trabaja en California, lo que va a influir en su trabajo: muestra una sensibilidad diferente a la de los autores de la costa Este. Influido en sus inicios por de Kooning, se alejó más tarde del expresionismo abstracto, corriente de moda cuando era estudiante.
Hacia 1962 comienza una serie de superhéroes sacados de las viñetas del mundo del cómic. Recrea heroínas como Wonder Woman, Phantom Lady o Sheena, de las historietas que leía en su juventud. Su primera exposición individual, en la Galería Bianchini de Nueva York, data de 1964. Desde mediados de los 60 desarrolla un tipo de iconografía que combina desnudos femeninos idealizados (pin-ups) con anuncios de marcas de productos de gran consumo, con todo el cromatismo del Arte pop. Ramos es uno de los primeros artistas del siglo XX que incorporan el arte comercial en su vocabulario formal, y actualmente es uno de los pocos representantes vivos del Pop norteamericano.
Actualmente vive en Horta de Sant Joan (Catalunya). Un bonito pueblo de la comarca de la Terra Alta, donde también pasó muchos años de su vida Pablo Picasso (allí Picasso descubrió el cubismo). También hay un museo del gran pintor Español.

http://es.wikipedia.org/wiki/Mel_Ramos


Hav a Habana

Esta obra llamada Hav a Habana, fue pintada por Mel Ramos. En ella se representa el consumo del tabaco, en este caso es un puro, con el de la mujer. Los dos son adictivos. Con el tiempo va evolucionando esta teoria, hasta que finalmente cambia por completo su orientacion. A esto se le llama REALISMO MAGICO.

http://www.picassomio.es/mel-ramos/31796.html


Opinion personal

He elegido esta obra por que me ha llamado la atencion la forma en la que compara a la mujer con el tabaco. Creo que en parte tiene razon al decir k la mujer tambien es adictiva, pero no estoy del todo de acuerdo por que la compara de tal forma, que parece un objeto.

Tapies

Tapies

Considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX en España, Antoni Tápies i Puig es un pintor y escultor informalista, nacido el 13 de diciembre de 1923. Hijo de una familia burguesa catalana y culta, el ambiente liberal en el que fue educado lo llevó rápidamente a despertar interés por los libros.

Pero es recién en 1943 que Tápies despierta su vocación por la pintura, cuando debió ser internado en diversos sanatorios a causa de una enfermedad pulmonar, limitándose a copiar obras de Picasso. En 1945 es cuando decide dejar sus estudios de derecho y dedicarse a la pintura.

En 1946 instala su primer estudio en Barcelona y dos años después co-fundó el movimiento conocido como Dau al Set. En sus comienzos, se notó la influencia de Joan Miró en su arte, un tanto surrealista. Pero luego comenzó a encaminar su propio estilo, convirtiéndose al informalismo, siendo uno de los pioneros en esa rama en España.
En 1953, realiza su primera exposición en New York y en 1958 participa por primera vez en la Bienal de Venecia, designado por el Ministerio de Cultura de España. Ya a fines de esa década, el artista era reconocido internacionalmente.
Sus obras se caracterizan por ser creadas con diversos materiales que no son considerados artísticos, como por ejemplo cuerdas y papel. En la década del 70 y fuertemente influenciado por el Pop Art, comienza a emplear elementos más sólidos para brindarle mayor fuerza a su obra, como por ejemplo trozos de muebles.

Ha expuesto en los más importantes museos y salas de arte del mundo i ha sido galardonado infinidad de veces, por ejemplo con el Premio Príncipe de Asturias en 1990. Ese año además abre la Fundación Antoni Tápies, creada para potenciar el arte contemporáneo.

Obras de Tapies

http://www.youtube.com/watch?v=iw2dhHrRBNg

En este video se encuentran un cojunto de obras de Tapies. Las obras de Tapies se caracterizan por el uso de varios materiales en la composicion de los cuadros. La obre de Tapies es una obra en la que la filosofia alcanza uno de los puntos mas altos.

Opinion personal

He elegido este autor y esta obra porque me ha parecido interesante el hecho de que Tapies se base tanto en la filosofia y la libertad para plasmar sus obras. Esta vez en lugar de colgar una imagen de una obra e colgado el video, ya que es mas extenso y con mas variedad. Espero que os guste.


Informacion sacada de:

http://www.artespain.com/10-07-2008/pintura/obras-de-antoni-tapies

http://www.artespain.com/18-01-2008/pintura/vida-y-obra-de-antoni-tapies

Malevich

Kazimir Malevich

(Kiev, actual Ucrania, 1878-Leningrado, actual San Petersburgo, 1935) Pintor ruso. Después de estudiar arte en una academia privada de Moscú, pintó primero cuadros de tipo impresionista para evolucionar pronto hacia un primitivismo inspirado en los fauves y hacia un estilo tubular semejante al de Fernand Léger. Participó con obras de este tipo en varias exposiciones dentro y fuera de Rusia. En sus viajes, conoció el cubismo y el futurismo, que le inspiraron creaciones de fragmentación formal cubista combinada con multiplicación de la imagen futurista.

Pero Malevich deseaba instaurar la supremacía de la sensibilidad pura de las formas sencillas en las artes figurativas, y con tal objetivo fundó el movimiento suprematista, que se dio a conocer en 1915 a través de la obra Cuadrado negro sobre fondo blanco. A partir de entonces, alternó obras de una austeridad absoluta, como la serie negra, con otras de mayor animación colorística y más dinamismo y, en ocasiones, dotadas de cierta sensación de profundidad. Hacia 1918 se inclinó por la austeridad más absoluta con la serie Blanco sobre blanco.
En este período, al considerar que ya no podía llegar más lejos en sus investigaciones, abandonó la pintura para dedicarse a la enseñanza y a la escritura, para exponer sus ideas sobre el arte. Fue profesor en las academias de Moscú y Vitebsk, en la Escuela Nacional de Artes Aplicadas de Moscú, y dirigió el Instituto para el Estudio de la Cultura Artística de Leningrado. Simultáneamente, proyectó estructuras tridimensionales que ejercieron una gran influencia en el constructivismo soviético.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/malevich.htm


Cuadrado negro

Este cuadro llamado Cuadrado negro, fue pintado por Malevich en 1923-29. Este cuadro supuso una bofetada de sorpresa a los espectadores; ellos tenian que conseguir ver y entender el arte de otra manera. Malevich busco formas simples que no podia encontrar en la naturaleza. Este cuadro ayudo a abrir la mente de algunos espectadores.
Actualmente, este cuadro se encuentra expuesto en el museo Estatal de Rusia, San Petesburgo(Rusia)

http://arte.observatorio.info/2008/01/cuadrado-negro-kasimir-malevich-1923-29





Opinion Personal

He elegido este cuadro, sinceramente porque no hay mucho de que ablar. Una imagen negra, sin ningun dibujo ni nada, no tiene sentido. Pero en fin, por lo que se ve, para ciertos pintores si que lo es. Aunque no se que le ven de arte...

Chagall

Chagall

Nació en Vitebsk, Bielorrusia siendo el mayor de nueve hermanos. Su nombre natal fue Moishe Shagal (Мойше Шагал) o Movsha Jatskélevich Shagalov (Мовшa Хацкелевич Шагалов). El nombre de su madre era Felga-Ita. Fue uno de los más importantes artistas del surrealismo y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños.
En 1907, Marc Chagall se muda a San Petersburgo donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte donde estudió bajo la tutoría de Nikolai Roerich. Luego de hacerse conocido como artista dejó San Petersburgo, Rusia, para unirse a un grupo de artistas que se encontraban en el Barrio de Montparnasse, en París, Francia. En 1914 regresó a Vitebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permanece en su pueblo natal. En 1915 se casa con Bella y el siguiente año tienen una hija a la que llamaron Ida.
Chagall se volvería un participante activo en la Revolución rusa de 1917. El Ministro de Cultura Soviética lo nombró Comisario de Arte para la región de Vitebsk, donde fundó una escuela de arte. Sin embargo, no se desempeñó bien dentro del sistema soviético y por esta razón se muda a Moscú en 1920 y luego a París en 1923.
Con la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial y la deportación de los judíos a los campos de exterminio nazis, Marc Chagall tuvo que abandonar París. Con la ayuda del periodista estadounidense Varian Fry, se mudó a la Villa Air-Bel en Marsella antes de que Fry le ayudara a escapar de Francia, a través de España y Portugal. En 1941, los Chagall se instalan en Estados Unidos.
Algunos de sus trabajos más importantes son La aldea y yo (1911), El violinista verde (1923-1924, Museo Guggenheim, Nueva York), El cumpleaños (1915), Soledad (1933, Museo de Tel Aviv). Hoy en día, una pintura de Chagall se puede vender por más de 6 millones de dólares. Sus litografías también alcanzan un considerable valor.
Cabe destacar su estancia en la Costa Brava, concretamente en la localidad de Tossa de Mar, donde pasó un par de veranos, en 1933 y 1934. Actualmente se conserva en el Museo Municipal de Tossa de Mar, la célebre obra titulada "El violinista celeste".
Sus trabajos se pueden encontrar en la Ópera de París, la Plaza del Primer Banco Nacional en el centro de Chicago, la Metropolitan Opera House de Nueva York, la catedral de Metz (Francia), la Catedral de Fraumünster en Zurich (Suiza), y la Iglesia de San Esteban en Mainz (Alemania). El museo que lleva su nombre en Vitebsk fue fundado en 1997 en el edificio donde habitó su familia. Dicho museo sólo tiene copias de su trabajo, pues durante los tiempos soviéticos fue considerado persona non grata y no se reunieron ejemplares de sus obras.
En 1981, recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.
Murió a la edad de 97 años y está enterrado en el pueblo de Saint-Paul de Vence (cerca de Niza, Francia) junto a su esposa Vava y su cuñado.

http://es.wikipedia.org/wiki/Marc_Chagall


La casa gris

Este cuadro llamado La casa gris, fue pintado por Marc Chagall en 1917. Forma parte de una serie de pinturas que Chagall realizo tras el comienza de la Primera Guerra Mundial. Chagall combina su aprendizaje cubista (fruto de sus años en Paris) con elementos basicos como la figurita situada a la izquierda que podría ser un autorretrato o la representación sinuosa del cielo. Estos elementos unidos a los dominantes tonos grises transmiten la percepción "triste y desgraciada" que Chagall tenía del lugar que le vio nacer.

http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_obra/445


Opinion Personal

He elegido este cuadro porque me ha gustado mucho. Pienso que Chagall quiere expresar con cierto cuadro, su tristeza en la infancia. Por eso ha pintado esta casa con esos colores tan tristes. A Chagall le recuerda el lugar donde se crio de pequeño.
Aunque Chagall piense eso, ami me a llamado la atencion sobre todo esa figura casi abstracta, por no decir abstracta en el cielo; no se aprecia lo que es.. Es mas no pinta nada ahi.

Duchamp

Duchamp

Artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX. Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, y era hermano del artista Raymond Duchamp-Villon y del pintor Jacques Villon. Duchamp comenzó a pintar en 1908. Después de realizar varias obras en la línea del fauvismo, se dedicó a la experimentación y al arte de vanguardia e hizo su obra más famosa, Desnudo bajando una escalera (1912, Museo de Arte de Filadelfia), en la que expresa el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas. La pintura causó furor en el Armory Show que tuvo lugar en Nueva York en 1913. Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia (1923, Museo de Arte de Filadelfia), una obra abstracta, conocida también como El gran espejo. Realizada en óleo y alambre sobre espejo, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas. En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales innovaciones del siglo XX, el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido, tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina. Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado, aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art. En 1955 Duchamp se nacionalizó estadounidense.

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=235


La fuente de Duchamp

Esta urinario, llamado para Duchamp fuente era una obra de arte. Se basa en el Dadaismo, que fue el movimiento más revolucionario y absurdo, aquel que se posicionaba en contra del arte clásico, contra todo tipo de arte, y derrumbaba sus cimientos.
Un movimiento capaz de poner en un pedestal un urinario con el título de “Fuente”.
Este objeto se encuentra actualmente espuesto en el Museu Nacional d’Art de Catalunya.

http://www.diariodelviajero.com/museos/exposicion-de-arte-dadaista-en-barcelona


Opinion Personal

He elegido esta obra, porque me ha llamado la atencion, que una persona crea que un urinario normal y corriente es una obra de arte. Me parece raro que este artista vea cierto objeto como algo importante… Me pregunto ¿porque cogio un urinario precisamente y no un lavabo, por ejemplo?