martes, 12 de enero de 2010

Corot

Jean Baptiste Camille Corot


(París, 1796-id., 1875) Pintor francés. Tras formarse durante dos años con pintores paisajistas como Michallon y Bertin, comenzó su trayectoria pintando al aire libre, fuertemente influido por el estilo italiano. Sus primeras obras, como El puente de Narni se caracterizan por una pálida luminosidad y una sutil expresividad poética. Presencia habitual en los Salones de Otoño, a principios de 1830 se decantó por una temática más modesta, aunque sin apartarse del paisajismo o el retrato (Jinete del caballo blanco, 1833). Regresó a Italia en 1843, momento a partir del cual fue matizando su paleta para captar con suave lirismo la textura luminosa de amaneceres y crepúsculos, en una especie de romanticismo calmo y reposado cuya técnica de pincelada corta anuncia el impresionismo (La danza de las ninfas, 1850). En esta última etapa, la pintura de Corot alcanzó un supremo equilibrio entre idealismo y realismo, que se tradujo en obras maestras tales como Mujer de la perla (1868-1870) o Mujer en azul (1874).



La mujer de la perla
 

Este cuadro, llamado La mujer de la perla, fue pintado por Corot. Es una de las figuras mas importante de este poeta. La adolescente reflejada en este cuadro, (tambien protagonista de una novela escrita) lleva puesto un vestido italiano que en pintor ha traido de sus viajes, a parte de eso, le toma posicion a las manos, y a en la cara, intenta reflejar una expresion grave.


Este cuadro se encuentra expuesto en el museo del Louvre.


Turner

Joseph Mallord William Turner

Paisajista inglés reconocido sobre todo por su dinámico tratamiento de los efectos de la luz natural en los temas de paisaje y marinas. Su obra es determinante para el desarrollo del impresionismo. Turner nació en Londres en 1775 y estudió en la Royal Academy of the Arts. A los 15 años realizó su primera exposición en ella, y continuaría mostrando sus trabajos hasta 1850. Fue elegido socio de la Royal Academy en 1799, y se convirtió en miembro tres años después. Durante su trayectoria profesional realizó numerosos viajes a través de Inglaterra, Escocia, Francia, Suiza e Italia. Las primeras obras de Turner fueron sobre todo acuarelas de paisajes. A finales de la década de 1790 había comenzado a exponer sus primeros óleos, algunos con la misma vibración cromática que con éxito había aplicado en sus acuarelas. Sus obras de madurez se dividen en tres periodos. Durante el primero (1800-1820) Turner pintó numerosas escenas mitológicas e históricas de suave colorido y énfasis en los contornos y detalles. En ellas se percibe la influencia del paisajista francés del siglo XVII Claude Lorrain, fundamentalmente en la utilización de efectos atmosféricos, como se observa en Sol naciente a través del vapor (1807, National Gallery, Londres) y en el tratamiento de las formas arquitectónicas, como en Dido construyendo Cartago (1815, National Gallery, Londres). También realizó numerosos grabados para su inacabada colección Liber studiorum (1806-1819). Las pinturas de su segunda etapa (1820-1835) se caracterizan por un colorido más brillante y por la difuminación de la luz.


El naufragio (1805)



En este cuadro llamado El Naufragio, como podemos ver aparecen las aguas de mar definidas de una manera muy compacta. En el se muestran la lucha del bote contra el mar enfurecido. En este cuadro podemos observar como la pintura nos refleja la lucha del hombre. Al ver las figuras del bote, produce el terror en el espectador, lo que demustra la capacidad del pintor, para pintar emociones que estamos acostumbrados a ver en la vida real.


La iluminacion tiene un carácter dramatico, con claridad en el primer termino. Mientras el mar esta oscuro para poder asin presentar sus dramaticas emociones.

En este cuadro se muestra la influencia del barroco.

lunes, 11 de enero de 2010

Blake

William Blake


Londres, (1757 - 1827) Pintor, grabador y poeta británico, una de las figuras más singulares y dotadas del arte y la literatura inglesa. Fue para algunos un místico iluminado, un religioso atrapado en su propio mundo, y para otros un pobre loco que sobrevivía gracias a los pocos amigos que, como Thomas Butts, creían en su arte y le compraban algunos grabados. La posteridad, sin embargo, ha considerado a William Blake como un visionario.
Su padre era calcetero, y parece haber pertenecido a una secta de seguidores de Swedenborg. En 1771 Blake empezó a trabajar como aprendiz con el grabador James Bazire; en 1780 conoció al rígido y frío escultor neoclásico John Flaxman, de quien aprendió el gusto por la seguridad y la precisión de contornos en el dibujo.
Durante la primera época de su vida, que llega hasta su matrimonio en 1782 con Catherine Boucher (la cual se reveló para él una esposa ideal) y la publicación de los Poetical Sketches (Esbozos poéticos, 1783), se dedicó a la poesía y a las artes plásticas; estudió a los artistas griegos, a Rafael, a Durero y sobre todo a Miguel Ángel, al que, incapaz de asimilar en su potencia creadora y volumétrica, tradujo en términos lineales, con lo cual se aproximó inconscientemente al juego curvilíneo de los miniaturistas célticos. De su gran entusiasmo por el famoso escultor participaba también el pintor suizo H. Fuseli (Füssli), que se estableció en Inglaterra en 1779, fue conservador de la Royal Academy e influyó indudablemente en Blake.
Blake, por otra parte, experimentó además la influencia del gótico, y copió los monumentos sepulcrales de la abadía de Westminster y de otros templos antiguos.
La segunda etapa de su vida (1783-1803) comprende la maduración de su arte poético y pictórico. En 1784 abrió un negocio de grabados, que mantuvo hasta la muerte de su hermano Robert; luego trabajó para otros: primero con Thomas Butts, quien le ayudó generosamente y fue siempre amigo suyo, y, más tarde (1800), junto a William Hayly, noble que se jactaba de poeta y mecenas y que asignó a Blake como residencia un "cottage" en Felpham, en el litoral de Sussex, donde nuestro autor pasó tres plácidos años y compuso algunos versos que figuran entre los más deliciosos y abstrusos de su producción. Desde 1793 a 1800 vivió en Lambeth, suburbio de Londres.

'El Fantasma de la Pulga'



Este cuadro, llamado El fantasma de la Pulga, fue pintado por William Blake. Esta otra desafio las convenciones artisticas del siglo XVIII. En esta obra aparece un ser medio animal, medio humano, caminando entre unas cortinas. Su monstruosidad contrasta con el pequeño tamaño de la pulga que se aprecia entre sus pies, lo que representa la encarnacion de este ser monstruoso.

En el cuadro llama la atencion la estrecha y larga cola. Al principio, la cola era de un color azul brillante, pero con el paso del tiempo, se ha deteriorado y a hecho que se convierta en un color marron oscuro.
Dicho cuadro se encuentra expuesto en el Tate Gallery en Londres.

Marat

David Marat

Jean-Paul Marat fue un científico y médico francés de padre sardo y madre suiza que realizó gran parte de su carrera en el Reino Unido, pero que resulta más conocido como activista, periodista y político durante la Revolución francesa.

Se le identificó con el ala izquierda de la Revolución. Fue tan amado por los sectores más desposeídos de la sociedad como detestado por los aristócratas y burgueses. Para garantizar el triunfo revolucionario, estuvo a favor de medidas tan radicales como las llamadas Masacres de septiembre de 1792 de los "enemigos de la revolución" encarcelados. Fue miembro del partido Cordeleros durante la Revolución francesa y ayudó a consolidar el Reinado del Terror elaborando "listas negras". Fue apuñalado en su bañera por la girondina Charlotte Corday en 1793.


La coronacion de Napoleón


Este cuadro, llamado la coronacion de Napoleon, es una obra de Jacques-Louis David. Esta obra fue realizada entre 1805 y 1808. El cuadro esta compuesto por varias lineas directrices, y respeta las normas del neoclacisismo Todas las miradas parecen ir hacia Napoleon porque una de las principales lineas, pasa por la cruz, que tiene una orientacion vertical.
Este cuadro se encuentra expusto en el museo del Louvre, Paris.

Goya

Francisco Goya


Goya fue el artista europeo más importante de su tiempo y el que ejerció mayor influencia en la evolución posterior de la pintura, ya que sus últimas obras se consideran precursoras del impresionismo.
Este aprendió de su padre el oficio de dorador, pero, decidido a dedicarse a la pintura, se trasladó a Madrid para formarse junto a Francisco Bayeu, con cuya hermana se casó en 1775, año de su establecimiento definitivo en Madrid. Bayeu le proporcionó trabajo en la Real Fábrica de Tapices, para la que realizó sesenta y tres cartones, en su mayor parte con escenas idílicas y de la vida diaria, plasmadas con colores claros y vivos e impregnadas de alegría y romanticismo.
Simultáneamente, Goya empezó a pintar retratos y obras religiosas que le dieron un gran prestigio, hasta el punto de que en 1785 ingresó en la Academia de San Fernando y en 1789 fue nombrado pintor de corte por Carlos IV.
Goya trabajó como retratista no sólo para la familia real, sino también para la aristocracia madrileña, y de hecho entre estos retratos se encuentran algunas de sus obras más valoradas, como La condesa de Chinchón o las famosas La maja vestida y La maja desnuda; sobre estas últimas dice la leyenda popular que representan a la duquesa de Alba, quien habría mantenido con el artista una relación de tintes escandalosos. En los retratos de Goya destaca, en líneas generales, su atento estudio de las posturas y las expresiones, así como los contrastes de luces y sombras que realzan la figura del protagonista.



La maja desnuda

Este cuadro, llamado la maja desnuda, se realizo entre 1797 y 1800. La tecnica que usa el pintor nos recuerdas a otras pinturas de este mismo(Goya). En el podemos observar su extraña cabeza, que parece de maniqui, no expresa nada y esta pegada al tronco de tal manera que no posee mucha logica. Este cuadro esta basado en el analisis de pinceladas, colores y modelado.


Quizas, este retrato tenga algo que ver con la celebre Pepita Tudó.

Este cuadro posee una calidad tersa y aporcelanada, casi de esmalte; su concepto de perfección anatómica tiene más de obra académica que de mujer de carne y hueso. Nacarada y casi transparente, contrasta con el lugar tan exquisito donde se halla tendida, en el que brillan los blancos y azules con fina intensidad. Es casi neoclásica por su sentido escultórico y aunque responde al tipo femenino habitual en la producción de grabados y dibujos del maestro, es lo menos "goyesco" que pintó.